¿ Cómo empiezo a realizar fotografías?Desarrolla tu mirada fotográfica.
Actualizado: hace 4 días
Tienes que conocer las leyes de la composición.
APRENDE LA DIFERENCIA ENTRE VER Y OBSERVAR UNA FOTOGRAFÍA
La regla de tercios, dominar las líneas, buscar simetrías y aplicar diferentes recursos de composición… son aspectos fundamentales, pero sin intención tus fotos quedan vacías.
Para ello necesitas saber:
→ ¿Qué está llamando realmente mi atención? OBSERVA ANTES DE FOTOGRAFIAR
Empieza buscando luz,formas,gestos,ritmo visuales,relaciones especiales.
→ ¿Qué elementos hay? El fotgráfo es capza de crear una jerarquía visual para decidir qué vemos primenro ,después y finalmente que ignoramos.
→ ¿Hacia dónde quiero dirigir la mirada?
→ ¿Qué relación existe entre los elementos?
→ ¿Qué quiero comunicar con esta imagen?
¿Qué hace que una fotografía funcione?
Una imagen funciona cuando la mirada encuentra un punto dominante, cuando la luz organiza la escena y cuando los elementos dentro del encuadre se relacionan entre sí.
Aprender fotografía también es comprender cómo funciona una imagen.
La fotografía no solo se toma, se construye.
La relación entre los elementos crea significado.Cunado los elementos dialogan entre sú, la imagen gana profundidad.
La composición organiza todo lo que ocurre dentro del encuadre.Sin esa organización , la fotografía se vuelve confusa.
DETRÁS DE CADA IMAGEN MEMORABLE EXISTEN CUANTRO ELEMENTOS QUE TRABAJAN JUNTOS: COMPOSICIÓN,LUZ,MOMENTO Y MIRADA.
Detrás de una imagen que realmente comunica existen decisiones: cómo organizas los elementos, cómo utilizas la luz, cuándo decides capturar el momento y qué historia quieres transmitir
MOMENTO .
Cuando decides capturar una imagen entra la anticipación,observación,instante decisivo,conexión con el entorno.
Helen Levitt no necesitó grandes acontecimientos para crear fotografías memorables.
En las calles de Nueva York encontró niños jugando, dibujando, corriendo y convirtiendo las aceras en escenarios. Ella simplemente observaba, esperaba y encontraba el instante en que esos elementos comenzaban a contar una historia.
Su fotografía demuestra que nuestra capacidad para mirar lo cotidiano de otra manera, impulsa a construir fotografías memorables.
NARRATIVA
Qué historia ,idea, o sensación quieres transmitir con tu fotografía ?
Utiliza el contexto,símbolos,emociones, interpretación del espectador,.
ERRORES EN LA COMPOSICIÓN
Muchos fotógrafos miran el centro... y olvidan las esquinas.La composición también vive en los márgenes del encuadre.
2.Saturar la imagen de elementos no interesantes.
Creer que más información equivale a mejor fotografía.Una imagen necesita respiración visual.
Antes de ftografiar a alguien en la calle, revisa qué hay detrás : un fondo ruidoso puede arruinar una fotografía
3.Ignorar el peso visual de los elementos.
4.No considerar la relación entre forma y significado.Una composición puede contradecri lo que intenta comunicar.
Bill Brandt transformaba la realidad en misterio, en sus imágenes se exploran el contraste, la geometría, el cuerpo, el paisaje y la relación entre luz y espacio. En ellas, lo cotidiano se convierte en algo extraño, inquietante y profundamente expresivo.
El cuerpo de la mujer se convierte en arte abstracto con una belleza y mirada auténtica.ç
APRENDE A OBSERVAR
Ver una imagen toma segundos. Observarla cambia completamente lo que encuentras en ella.
Cuando solo vemos, reconocemos formas, personas, colores y objetos, cuando observamos, comenzamos a descubrir relaciones, emociones, símbolos, decisiones y significados.
OBSERVARLA ES DETENERTE A DESCUBRIR LO QUE LA IMAGEN INTENTA DECIR
VER ENCUENTRA PERSONAS,OBJETOS, COLORES, TEXTURAS Y FORMAS
OBSERVA : ENCUENTRA RELACIONES, EMOCIONES ,SÍMBOLOS, TENSIONES Y DECISIONES
TODO SUCEDE RÁPIDAMENTE.OBSERVAR REQUIERE ATENCIÓN.
La composición comienza mucho antes de presionar el obturador, comienza cuando aprendes a mirar.
APRENDER A OBSERVAR TRANSFORMA LA MANERA EN QUE ENTIENDES Y PRODUCES FOTOGRAFÍAS.
Eso es desarrollar una mirada fotográfica. 👁️
La LUZ lo es todo, una buena iluminación es imprescindible.
La luz también construye la fotografía.El contraste dirige la atención y define la forma de los elementos.
APRENDE A LEER LA LUZ
La luz modifica: el volumen, la textura,profundida, atmósfera y significado
3.ESTUDIIA LA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA
LECCIONES DE FOTOGRAFÍA DE LOS MAESTROS
Aquí podrás aprender los consejos de grnades fotográfos de la historia
Y aquí aprenderás más en profundidas sobre los fotográfos vistos en clase.
ANALIZA FOTOGRAFÍAS, PREGÚNTATE: ¿POR UQÉ FUNCIONA? ¿QUÉ DIRIGE MI ATENCIÓN? ¿ CÓMO USA LA LUZ? ¿ QUÉ EMOCIÓN CONSTRUYE?
Demuestra que la fotografía documental depende de cómo te acercas, qué esperas y qué decides conectar dentro del encuadre.
Hoy puedes probar tres recursos presentes en su trabajo:
📷 Acércate: reduce la distancia y participa visualmente de la escena.
¿ Cómo aplicarlo?
Elige una situación cotidiana y fotografía desde una distancia cercana,
👁️ Busca relaciones: personas, espacios, gestos, objetos y momentos que dialoguen entre sí. Busca cómo las personas interacuán con el espacio y entre ellas.
¿ Cómo aplicarlo ?
Antes de disparar,observa durante unos minutos,Espera hasta que dos o mas elementos se relacionen.
Trabaja en series: una fotografía registra un momento; varias construyen una historia.
¿Cómo aplicarlo ? Elige un lugar,persona o tema.Fotografía disferentes momentos durante varios días.
SERIE SOBRE EL HARLEM
El amor en las calle según Vivian Maier:
Más allá del misterio, Vivian Maier tenía una manera particular de mirar a las parejas.
Entre las calles de Chicago y Nueva York, encontró innumerables escenas de intimidad: parejas caminando, abrazándose, conversando, esperando o simplemente compartiendo un momento.
Su cámara observaba desde cierta distancia, convirtiendo pequeños gestos cotidianos en documentos sobre el amor, la compañía, las relaciones humanas y la identidad.
Estas fotografías muestran precisamente eso: que la fotografía callejera necesita de observación, paciencia y sensibilidad.
La técnica sostiene una foto, la mirada te ayuda a construirla.
Desarrolla tu mirada fotográfica.
Aprende a fotografiar una misma escena de varias formas.
Prueba esto:
Fotografía el mismo lugar o sujero cambiando:
-encuadre
-distancia
-altura de cámara
-dirección de la luz
-punto de enfoque
-espacio negativo
SERIE FOTOGRÁFICA
Una serie fotográfica es un conjunto de imágenes (generalmente entre 5 y 10) que están unidas por un mismo hilo conductor, un concepto, una narrativa o una estética compartida. A diferencia de las fotos sueltas, en una serie las imágenes dialogan entre sí para contar una historia o transmitir una emoción que una sola fotografía no podría lograr por sí misma.
Podemos establecer tres criterios de desarrollo en una serie fotográfica, que conformarían una unidad
1º unidad. Tres aspectos: género, concepto y estética.
Podemos poner como ejemplo la serie de Josef Sudex (1896-1976), “las ventanas de mi taller”.
En el género: la naturaleza muerta
En el concepto: las ventanas empañadas en el límite de la abstracción
En la forma estética: mismo sentido de encuadre, luz, textura
2º unidad. Dos aspectos: género y concepto, pero libre en su forma estética.
Como ejemplo la serie “Eleanor” de Harry Callahan.
En el género: el retrato-desnudo
El concepto: interpretar a la persona cercana
3º unidad. Dos aspectos: concepto y estética, unidos y fundidos
Como ejemplo la serie “Chiaroscuro” de Ralp Gibson
Género: diverso, recurriendo al paisaje, naturaleza muerta….
SERIE RETRATOS
Si vas a proponer este proyecto en el aula o a realizarlo tú mismo, el proceso ideal sigue estos pasos:
La Idea (El Concepto): Decidir de qué va a hablar la serie. Es fundamental definir el mensaje antes de disparar.
La Planificación (Guion Gráfico): Pensar qué fotos son necesarias para que la historia se entienda (planos abiertos para situar el lugar, planos detalle para mostrar emociones, etc.).
La Coherencia Visual: Decidir qué elementos estéticos unirán la serie. Puede ser el uso del blanco y negro, una paleta de colores específica (tonos cálidos, fríos, apagados), una misma iluminación o el mismo tipo de encuadre.
La Selección y Edición (El Descarte): De 20-30 fotos tomadas, elegir las 5 o 7 mejores. El orden de las imágenes es clave: debe haber una foto de apertura potente, un desarrollo y un cierre.
El Título y Texto de Autor: Ponerle un título a la serie y escribir un breve párrafo (declaración de intenciones) que explique qué se ha querido transmitir.
4.¿ CÓMO TOMAR FONTO EN BLANCO Y NEGRO QUE REALMENTE FUNCIONEN?
NO SE TRATA SOLO DE QUITARLES EL COLOR
El blanco y negro empieza cuando aprendes a mirar una escena sin depender del color.
Antes de disparar, observa la luz, el contraste, las sombras, las formas y las texturas. Pregúntate qué elementos seguirán teniendo fuerza cuando desaparezca el color.
Una buena fotografía en blanco y negro no necesita ser completamente negra ni completamente blanca. Los grises también cuentan: construyen volumen, profundidad y atmósfera.
EL SECRETO DETRÁS DE UN BUEN RETRATO FOTOGRÁFICO
Yousuf Karsh fotografió a Churchill, Einstein, Picasso, Audrey Hepburn, Muhammad Ali, Marilyn Monroe y muchas otras figuras que marcaron el siglo XX.
Su secreto estaba en el dominio de la luz y la observación.
Esperaba el gesto, la mirada o la postura que revelara algo más profundo que una simple apariencia.
Para él, un gran retrato consistía en mostrar como luce el personaje y también hacernos sentir quién es.
Cómo realizar fotografías como TIM WALKER?
Para hacer fotos como Tim Walker con recursos de estudiante, debes crear un mundo de fantasía y sueños usando objetos cotidianos y escenografía hecha a mano. [1, 2]
1. El concepto y la historia
2. Escenografía y atrezo (DIY / casero)
Objetos gigantes o repetidos: Tim Walker llena sus escenarios de cosas exageradas. Usa flores de papel gigantes hechas con cartulina, cientos de mariposas de papel o globos.
Usa espacios naturales: Sal al campo, a un bosque o a un jardín abandonado. La naturaleza aporta el fondo perfecto para la fantasía británica de Walker.
Aprovecha materiales reciclados: Cartón, telas viejas y ropa de segunda mano sirven para armar vestidos voluminosos o decorados teatrales.
3. Iluminación y cámara
Luz natural suave: Aprovecha la hora dorada (al atardecer o amanecer) o días nublados para obtener una luz difusa y mágica.
Usa lo que tengas: Si estás en interior, usa una ventana grande como fuente de luz principal y un reflector hecho con cartón y papel aluminio.
FONDOS BLANCOS,. ATREZZO CON MUCHO COLOR .
4. Estilismo y maquillaje
Para hacer fotos como Tim Walker con recursos de estudiante, debes crear un mundo de fantasía y sueños usando objetos cotidianos y escenografía hecha a mano.
Ropa con volumen: Busca prendas grandes, faldas con mucho vuelo, colores pastel o tonos muy vivos que contrasten con el fondo.
Maquillaje de fantasía: Piel muy pálida, mejillas rosadas, o detalles de fantasía en los ojos para alejar al modelo de la realidad.
CÓMO REALIZAR FOTOGRAFÍA COMO DAVID LACHAPPELE
El estilo de David LaChapelle se caracteriza por el surrealismo pop, el uso de colores hipersaturados, la crítica social, el brillo ("glamour") exagerado y las composiciones teatrales barrocas. Para estudiantes de bachillerato, recrear este universo con pocos recursos es un ejercicio excelente de creatividad, trabajo en equipo y reciclaje.
1. La Iluminación y el Color Kitsch (Sin focos profesionales)
LaChapelle utiliza luces muy duras, contrastadas y de colores vibrantes.
Geles de color caseros: En lugar de comprar filtros caros, cubrid la linterna o el flash de los móviles con papel celofán de colores (rojo, azul, fucsia, verde). Aseguradlos con una goma elástica. Al rebotar estas luces sobre el modelo, conseguiréis el efecto neón/pop.
Luz solar directa y dura: Aprovechad las horas del mediodía (que normalmente se evitan en fotografía). Esa luz cenital, intensa y sin difusores, genera las sombras marcadas y el contraste agresivo propio de sus retratos comerciales.
Papel de aluminio: Utilizad cartulinas grandes forradas con papel de aluminio de cocina como reflectores caseros para rebotar destellos de luz hacia la cara del modelo, emulando los brillos del "glamour" de Hollywood.
2. Escenografía y Atrezo: El arte del "Upcycling"
Los sets de LaChapelle son masivos y caóticos. En el aula o en casa, podéis simularlos acumulando objetos cotidianos de forma exagerada.
Fondos vibrantes: Conseguid retales de telas brillantes (satén, lentejuelas, plástico de burbujas) o utilizad manteles de plástico para cumpleaños de colores neón (rosa chicle, verde lima).
Fetiches de consumo y kitsch: Buscad juguetes viejos de plástico, flores de plástico artificiales, comida rápida real o de juguete, globos y papel de regalo metalizado. La clave es la saturación por acumulación: llenar el encuadre de objetos vulgares para transformarlos en arte artificioso.
3. Maquillaje, Vestuario y Actitud
El estilismo debe rozar la caricatura o el cómic.
Maquillaje editorial "Low Cost": Utilizad purpurina (glitter), labiales de colores imposibles (azules, negros o fucsias encendidos) y sombras de ojos muy cargadas. Aplicar una capa ligera de aceite corporal barato sobre la piel acentuará los reflejos de las luces de celofán.
Ropa exagerada: Buscad en tiendas de segunda mano, mercadillos o en el fondo del armario: abrigos de piel sintética, gafas de sol gigantes, ropa deportiva de los 90, o vestidos de graduación antiguos.
Poses dramáticas y teatrales: Instruid a los modelos para que no posen de forma natural. Deben parecer maniquíes de escaparate, estatuas religiosas o personajes caóticos atrapados en una viñeta.
4. Postproducción Digital (Herramientas Gratuitas)
Si los estudiantes disparan con sus teléfonos móviles, el toque final de "saturación digital" se da en la edición.
Aplicaciones móviles gratuitas: Herramientas como Snapseed, Lightroom Mobile o PicsArt bastan.
El "Look" LaChapelle en edición:
Subid la Saturación y la Intensidad de los colores casi al límite.
Aumentad el Contraste y bajad un poco las sombras para que los colores "exploten".
Jugad con la herramienta de Curvas por canales (RGB) para tintar las sombras de un color (ej. azul) y las luces de otro (ej. amarillo/rosa).
Buscad texturas de "destellos de lente" (lens flare) o efectos de brillo digital para superponer en las zonas donde incide la luz.
CÓMO REALIZAR FOTOGRAFÍAS COMO HELMUT NEWTON?
Para realizar una fotografía inspirada en Helmut Newton para un trabajo de Bachillerato (como Cultura Audiovisual o Dibujo Artístico), debes centrarte en la elegancia, la provocación, el blanco y negro de alto contraste y las mujeres poderosas y dominantes.
1. Elementos clave del estilo de Helmut Newton
Contraste y Blanco y Negro: La mayoría de sus obras maestras son en blanco y negro, con luces duras y sombras marcadas.
Poder femenino: Sus modelos no son pasivas; tienen una actitud fuerte, altiva, segura de sí misma y dominante.
Escenarios y Localizaciones: Le gustaba fotografiar en la calle de noche, en habitaciones de hotel lujosas, piscinas o estudios con iluminación sofisticada
.
Moda y Narrativa: Aunque era fotografía de moda, siempre contaba una historia cinematográfica, a veces con toques de misterio o voyeurismo.
Composición limpia y geométrica: Usaba líneas marcadas, escaleras, abrigos largos, tacones altos y, a menudo, desnudos muy elegantes y estatuarios.
CÓMO REALIZAR FOTOGRAFÍAS COMO IRVING PENN.
1. Retratos en esquina ("Corner Portraits")
En 1948, Penn construyó un ángulo agudo con dos paneles en su estudio para confinar a celebridades (como Salvador Dalí o Truman Capote). Esto obligaba a los sujetos a interactuar físicamente con el espacio, revelando su verdadera personalidad.
Cómo montarlo en el aula: Junta dos paredes de la clase, dos paneles de corcho grandes o dos planchas de cartón pluma blanco. El ángulo debe ser cerrado (unos 60 a 90 grados).
La iluminación: Penn solía usar una única fuente de luz lateral (luz de ventana o un solo foco/flash con ventana difusora). Coloca la luz a unos 45 grados de altura para que rebote en las paredes del rincón, envolviendo al sujeto pero generando sombras marcadas al lado opuesto.
Dirección de modelos: Pide a los modelos que no posen de forma tradicional. Deben apoyarse fuertemente en las paredes, agacharse, sentarse en el suelo o forzar los hombros. El rincón debe "atraparlos"
Fotografía de Moda y "Oficios" (Alto Contraste)
Penn revolucionó la moda al sacar a las modelos de los escenarios opulentos y ponerlas ante un fondo gris o blanco totalmente liso y desgastado. Hizo lo mismo con trabajadores reales (repartidores, deshollinadores) en su serie Small Trades.
Cómo montarlo en el aula: Usa una pared lisa, una sábana gris o papel continuo de fondo. No importa si el suelo o el fondo están un poco manchados; Penn abrazaba esas texturas.
La iluminación: Se busca una luz muy nítida y geométrica. Se puede usar luz natural de una ventana grande o un foco directo. Para acentuar el dramatismo, coloca un cartón negro en el lado opuesto a la luz; esto actuará como "relleno negativo", absorbiendo la luz rebotada y haciendo que las sombras sean más profundas. [1, 2]
Vestuario y Estilo: Enfócate en las líneas orgánicas y siluetas dramáticas. Pide a los alumnos prendas con texturas fuertes (abrigos de lana, sombreros, guantes) o que traigan elementos de algún oficio
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