INTRODUCCIÓN
El bodegón es una representación de objetos inanimados, también se le llama naturaleza muerta. Estos objetos pueden ser frutas, vegetales, flores, animales muertos... También pueden ser la representación de vasos, platos con comida, utensilios domésticos, floreros, libros e instrumentos musicales. Los bodegones aparecieron en el tiempo de Grecia clásica 500-400 aC, También se hicieron algunos en el Renacimiento, pero recién en el siglo XVII en Holanda empezó a ser un género de pintura. Los principales artistas que empezaron este género fueron Pieter Claesz, Willem Claesz, Georg Flegel y Willem Kalf.
Pieter Claesz, “Bodegón con pastel turco”, 1627; y Juan Sánchez Cotán, “Membrillo, repollo, melón y pepino”, 1602. Notable diferencia entre la obra holandesa, más rica y recargada, y la española, de composición muy sencilla.
Edouard Manet alguna vez dijo que la naturaleza muerta es “el referente de la pintura”. Caracterizado por un interés en lo inanimado, este género de arte ha sido popular durante diferentes movimientos, culturas, y periodos, con grandes figuras como Paul Cézanne y Pablo Picasso compartieron la visión del artista impresionista.
Historia
ARTE ANTIGUO
Las pinturas de bodegones más antiguas que se conocen fueron creadas por los egipcios en el siglo XV a.C. Pinturas funerarias de alimentos, incluidos los cultivos, el pescado y la carne, han sido descubiertas en los antiguos sitios de entierro. El bodegón egipcio más famoso fue descubierto en la Tumba de Menna, un sitio cuyas paredes estaban adornadas con escenas excepcionalmente detalladas de la vida cotidiana.
Bodegón descubierto en la Tumba de Menna
En la Antigua Roma también tenían su particular banquete y sus habitantes decoraban paredes y suelos con pinturas y mosaicos dedicados a la comida. Desde las Xenia, bodegones que imitaban las ofrendas que recibían los invitados en una casa y mostraban la riqueza de los anfitriones, hasta los Asarôtos oikos’ o ‘casa sin barrer’, mosaicos trampantojo de restos de comida. Según las creencias romanas, todo lo que caía al suelo pasaba a formar parte del reino de los muertos.
Incluso se ha sabe que los romanos alegraban con bodegones el mostrador de sus locales de comida para llevar.
Mosaico trampantojo de restos de comida.
EDAD MEDIA
Durante la Edad Media, los artistas adaptaron la naturaleza muerta con fines religiosos. Además de incorporar arreglos simbólicos en las representaciones de escenas bíblicas, también los utilizaron para decorar manuscritos ilustrados. Objetos como monedas, conchas marinas y fanegas de fruta aparecen en los bordes de estos libros, como el elaborado Libro de horas de Catalina de Cleves del siglo XV.
RENACIMIENTO
Los artistas del Renacimiento nórdico popularizaron la iconografía de bodegones con sus pinturas de flores. Típicamente, estas piezas presentan plantas coloridas de “diferentes países e incluso continentes diferentes en un solo jarrón y en un solo momento de su florecimiento” (Museo Metropolitano de Arte) y por lo general no incluyen otros sujetos. Estas pinturas alcanzaron su máxima popularidad a principios del siglo XVII, cuando los artistas del renacimiento nórdico se interesaron cada vez más en crear estudios realistas de objetos cotidianos.
Jan Brueghel the Elder, ‘Flores en un recipiente de madera' (1606-1607)
on la llegada del Renacimiento llegaría también un periodo de pensamiento humanístico e interés por lo natural que empieza a allanar el camino a la aparición del bodegón como género independiente. Aunque las lecciones morales y religiosas seguían estando presentes. Como en esta imagen de Pieter Aertsen que muestra al fondo una escena de la Biblia.
Al fondo de este cuadro se ve una escena de la Biblia.
Los artistas holandeses de la Edad de Oro llevaron este interés por el detallado arte floral al siguiente nivel con sus pinturas vanitas.
Vanitas es un tipo de bodegón que viene a ser una alegoría, los objetos representados simbolizan que las posesiones materiales son temporales. Son comunes que los objetos encontrados en estos cuadros sean calaveras, relojes, flores, dinero, relojes de arena, frutas, joyas y velas.
Las vanitas están inspiradas en el memento mori, un género de pintura cuyo nombre latino se traduce como “recuerda que morirás”. Al igual que las representaciones de memento mori, estas piezas a menudo combinan flores con objetos como cráneos humanos, velas y relojes de arena volcados para hacer un comentario sobre la naturaleza fugaz de la vida.
Sin embargo, a diferencia del arte memento mori, las pinturas vanitas “también incluye otros símbolos como instrumentos musicales, vino y libros para recordarnos explícitamente la vanidad de los placeres y bienes mundanos”
Pieter Claesz, ‘Vanitas – Naturaleza muerta' (1625)
Y llegó Caravaggio para cambiarlo todo
Caravaggio, “Cesta de fruta”, 1596.
EL BODEGÓN EN EL BARROCO
Caravaggio fue el primer gran pintor de naturalezas muertas. De él es uno de los primeros bodegones de la historia y seguramente el más célebre de ellos es Canasta con fruta,
En 1596, Caravaggio pintó una cesta de frutas, un cuadro en apariencia simple que escribió una nueva página en la Historia del Arte. Por primera vez se le daba la misma dignidad formal e interpretativa a un bodegón que a retratos humanos o a la historia religiosa
Pero fue en el siglo XVII en Países Bajos, donde la iglesia católica había perdido su influencia, cuando el bodegón alcanzó su época dorada. Artistas como Clara Peeters o Willem Kalf retrataron en sus naturalezas muertas el poder de un imperio que se hizo rico con el comercio internacional y el expolio de sus colonias.
Bodegón de Clara Peeters.
En estos bodegones, la porcelana china, las frutas exóticas o los cítricos de importación convivían con langostas sobre telas delicadas o deliciosos banquetes. Estas naturalezas muertas eran el ejemplo perfecto con el que la sociedad flamenca demostraba su poder.
El lujo de los bodegones flamencos y holandeses contrastaba con los bodegones españoles, mucho más sobrios que sus vecinos del norte. Alimentos más humildes sobre fondos menos recargados aparecían en los llamados bodegones de cuaresma de Juan Sánchez Cotán, que parece que animan al ayuno en vez de a la glotonería.
Otro ejemplo de bodegón barroco español son los cardos y zanahorias de Zurbarán, pintor español que supo extraer la belleza de la comida del día a día.
Bodegón de Juan Sánchez Cotán, mucho más austero que los de sus vecinos del norte.
La caída de popularidad del bodegón
En el año 1667, André Félibien, historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés, enunció la llamada jerarquía de los géneros: una clasificación de los distintos géneros artísticos en base a prestigio y valor cultural. Las naturalezas muertas no salieron muy bien paradas y perdieron popularidad en detrimento de otras, como la escena histórica o los retratos.
Sin embargo, el bodegón no desapareció del todo. Artistas como el pintor Francisco de Goya se sirvieron de este género para explicar la violencia de la guerra. Bodegones con animales muertos no hablaban de la alegría de vivir sino del horror de la muerte.
Bodegón de Francisco de Goya.
Jean Siméon Chardin, “La raya” de 1728 y “Naturaleza muerta con cacerola, pimentero, puerro y tres huevos” de 1732.
El siguiente maestro de las naturalezas muertas fue Chardin, que en el siglo XVIII consiguió revitalizar el género, que por entonces estaba poco considerado. Gracias a su famoso Bodegón con gato y raya ingresó en la Academia Real Francesa. De él conservamos muchas naturalezas muertas en las que estudió las calidades y texturas de una gran variedad de objetos como ollas de cobre, vajillas de porcelana pintada, la transparencia de objetos de cristal, así como flores, frutas y animales.
EL BODEGÓN EN EL IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO
Édouard Manet, “Manojo de espárragos”, 1880; y Paul Cezanne, “Plato de melocotones”, 1894.
A finales del siglo XIX, los impresionistas ven en este género y en el de paisaje el campo perfecto en el que practicar sus novedosas teorías cromáticas y lumínicas. Manet y Renoir destacan en sus composiciones de flores y frutas llenas de color. Manet llegó a decir que “un buen pintor se reconoce por su capacidad para expresar la simplicidad de un fruto”.
Vincent Van Gogh, “Jarrón con doce girasoles”, 1888.
Posteriormente, Cézanne desarrolla su particular concepción del espacio y la forma, más próximo a una materialidad más realista y eliminando el rigor de la perspectiva.Algunas de las piezas de Cézanne incluso rinden homenaje al estilo vanitas al incorporar cráneos.
Paul Cézanne, ‘Naturaleza muerta con cráneo
EL BODEGÓN CUBISTA
Pablo Picasso, “Bodegón”, 1945; y Georges Braque, “Naturaleza muerta: Le jour”, 1929.
Ya en el siglo XX, durante las vanguardias, el bodegón experimenta todo tipo de cambios y ensayos. Los cubistas utilizaron muy frecuentemente este género, ya que los objetos inanimados son la mejor referencia posible para ensayar la descomposición de las formas que proponían. Pintores como Picasso o Braque practicaron el bodegón en diversas formas incluyendo el collage, en el que no sólo representaban objetos sino que los incorporaban físicamente a la obra.
POP Y NATURALEZA MUERTA
Andy Warhol, “Latas de sopa Campbell” y “Botellas de Coca-Cola”, ambas de 1962.
El último artista conocido en todo el mundo por su pintura de objetos inanimados es Warhol. Él creía que un pintor debía plasmar en su arte la sociedad que le rodeaba y por eso elevó a obra de arte objetos de la vida cotidiana que dicen más sobre nuestra forma de vida contemporánea que muchos otros testimonios culturales. Son famosas Las latas de sopa Campbell, las Botellas de Coca-Cola o las Cajas de detergente Brillo.
Roy Lichtenstein. Still Life with Palette, 1972
EL BODEGÓN EN ESPAÑA
En España, los primeros ejemplos de naturalezas muertas que podemos encontrar y que se acercan a su definición de bodegón, podemos encontrarlos en la antesala capitular de la Catedral de Toledo, donde en 1511 varios oficiales del pintor Juan de Borgoña pintaron unos frescos con decoración cuatrocentista y unos grandes jarrones con claveles dentro de nichos fingidos que presiden la composición.
Las 'Salas de las frutas' en la Alhambra, frescos enmarcados en octógonos en los que se encontran frutos secos, frutas, flores y hortalizas propias de tierras granadinas como almendras, granadas o berenjenas. Es la primera serie de bodegones españoles. En el siglo XVI y XVII se siguieron decorando claustros, techos y marcos de escenas naturalistas.
Aunque la verdadera representación de alimentos, flores y objetos en obras pictóricas en clave de bodegón se dieron a través de su inserción en pinturas religiosas.
La pintura flamenca fue un estímulo en los artistas españoles durante la segunda mitad del s. XVI. El detalle, el simbolismo y las escenas de mercado y carnicerías tuvo una gran acogida en andalucía y en tierras castellanas con Juan Correa de Vivar y Blas de Prado. Hay otros famosos retratistas de corte como Pantoja de la Cruz o los primitivos bodegonistas españoles como Sánchez Cotán y Van der Hamen.
El bodegón español del siglo XVII se caracteriza por su austeridad, sobriedad y formalidad. Triunfan las composiciones simétricas, en las que se destaca número limitado de alimentos sobre sencillos plintos y bajo una fuerte luz sobre fondo oscuro. Aunque observemos cierta austeridad de formato, los alimentos se muestran apetitosos y ciertamente tentadores para los espectadores, que lo entendían como una celebración de los sencillos placeres de la vida.
PARA APRENDER MÁS:
La historia del bodegón
CLARA PEETERS
PROYECTO GRUPAL: “DE BODEGONES Y OTROS MISTERIOS”
PARTE A) 30%
Trabajo grupal. 5 personas por grupo.
INVESTIGACIÓN EL BODEGÓN A LO LARGO DE LA HISTORIA
Realizareis una presentación de diapositivas sobre :
GRUPO 1: MAESTROS DEL BODEGÓN ARCIMBOLDO Y CARAVAGGIO
-Arcimboldo ( el asado, las estaciones
-Caravaggio
GRUPO 2: EL BODEGÓN FLAMENCO (5)
-Jacob Van ES
-Clara Peeters
-Jan Davidsz de Heem
-Jan Brueguel
-Pieter Claesz
GRUPO 3 : EL BODEGÓN EN ESPAÑA (5)
-Juan Sanchez Cotán
-Zurbarán:
-Velázquez : El aguador de Sevilla
-Goya Trozos de carnero
-Luis E. Meléndez
GRUPO 4: EL BODEGÓN CUBISTA (5)
-G.Braque
-Picasso
-Juan Gris: Botella anis
-Marie Blanchard: Bodegón del pan
-Fernand Léger :Naturaleza muerta con botella
GRUPO 5: BODEGÓN EN EL POP ART (5)
-A.Warhol:
-R. Liechtenstein:
-Tom Wesselman:Naturaleza muerta nº 34
-David hockney : Bodegon con televisión 1969
-Wayne Thiebaud :Tres máquinas"
GRUPO 6 BODEGON FAUVISTA,IMPRESIONISTA Y POST IMPRESIONISTA (5)
-Matisse (fauvismo)
-Raoul Duffy (fauvismo)
-Van Gogh (post)
-Gaughin: bodegón con tres cachorros (post
-Cezanne
GRUPO 7 :BODEGÓN EN LA BAUHAUS (3)
-Paul klee :Naturaleza muerta con dado, 1923.
-Le corbusier :Guitare verticale /Guitare verticale/
-Piet Mondrian :Still Life with Gingerpot II
GRUPO 8 : BODEGONES SURREALISTAS (5)
-Dalí: (Naturaleza muerta viviente (Naturaleza muerta moviéndose a gran velocidad))
-Magritte:Personal Values, 1952
-Remedios Varo: Naturaleza muerta resucitando
-Leonora Carrington :AB EO QUOD
-Chirico: The Uncertainty of the Poet
Cada integrante del grupo ,,expondrá la obra de un artista dentro de ese movimiento.
Presentación parte grupal A
Os lo explico paso a paso:
Crear un presentación de diapositivas ( EXPORTAR A PDF cuando esté finalizada)
1 diapositiva: titulo del proyecto ,y vuestros nombres, grupo .
2 diapositiva : el NOMBRE del trabajo asignado , introducciión y explicación del bodegón en esta época y/o movimiento,qué se representaba ,influencias..etc
3 y 4 diapositiva : un artista y su obra:
5 y 6 diapositiva segudno artista y su obra .
7 y 8 diapositiva : tercer y artista y su obra
9 y 10 diapositiva: cuarto artista y su obra
1 y 12 diapositiva: quinto artisa y su obra (
En estas diapositivas vosotros elegis si poneis una o dos obras sobre vuestro artista.
LA SEGUNDA PARTE DE LA PRESENTACIÓN parte B
Actividad individual:PARTE B (70%)
- El Bodegón GEN Z .
El bodegón como autorretrato.
1.Diapositivas : 1 fotografía realizada por ti de tu bodegón
Boceto interpretativo en tu bodegón bajo la vanguardia asignada.
2. El dibujo de tu bodegon con técnica de claroscuro en tamañao aA3 .
Materiales: lápices de grafito.
Rúbrica:
Criterios de Evaluación | Excelente | Sobresaliente | Bueno | Aceptable | Bajo 0 |
Técnica | El estudiante demuestra un dominio excepcional de la técnica de claroscuro. Sus sombras y luces están perfectamente aplicadas, creando un efecto realista y tridimensional. | El estudiante demuestra un buen manejo de la técnica de claroscuro. Sus sombras y luces están bien aplicadas y crean un efecto tridimensional adecuado. | El estudiante demuestra un manejo aceptable de la técnica de claroscuro. Sus sombras y luces están mayormente bien aplicadas, pero hay algunos errores o áreas que podrían mejorar. | El estudiante demuestra un manejo básico de la técnica de claroscuro. Sus sombras y luces están presentes, pero el efecto tridimensional no es muy logrado. | El estudiante muestra poco o ningún dominio de la técnica de claroscuro. Las sombras y luces no están adecuadamente aplicadas y el efecto tridimensional no se logra. |
Composición | El estudiante demuestra una composición excepcionalmente bien pensada y equilibrada. Los elementos están distribuidos de manera armoniosa y contribuyen a la estética general de la obra. | El estudiante demuestra una composición bien pensada y equilibrada. Los elementos están distribuidos de manera adecuada y contribuyen a la estética general de la obra. | El estudiante demuestra una composición aceptable. Los elementos están mayormente bien distribuidos, pero hay algunos aspectos que podrían mejorar. | El estudiante demuestra una composición básica. Los elementos están presentes, pero la distribución no es muy cuidada o equilibrada. | El estudiante muestra poca o ninguna consideración por la composición. Los elementos están desorganizados y no contribuyen a la estética general de la obra. |
Valoración tonal | El estudiante demuestra un excelente uso de los valores tonales. Los diferentes tonos de grises están aplicados de manera precisa y ayudan a crear profundidad y volumen en la obra. | El estudiante demuestra un buen uso de los valores tonales. Los diferentes tonos de grises están aplicados de manera adecuada y contribuyen a crear profundidad y volumen en la obra. | El estudiante demuestra una valoración tonal aceptable. Los diferentes tonos de grises están mayormente bien aplicados, pero podría haber algunos errores o áreas que podrían mejorar. | El estudiante muestra una valoración tonal básica. Los diferentes tonos de grises están presentes, pero el efecto de profundidad y volumen no es muy logrado. | El estudiante muestra poca o ninguna consideración por la valoración tonal. Los diferentes tonos de grises no están adecuadamente aplicados y no logran crear profundidad y volumen. |
Detalles y texturas | El estudiante demuestra un excelente nivel de detalle y textura en su obra. Los elementos son representados de manera precisa y se pueden apreciar diferentes texturas en la superficie dibujada. | El estudiante demuestra un buen nivel de detalle y textura en su obra. Los elementos son representados de manera adecuada y se pueden apreciar algunas texturas en la superficie dibujada. | El estudiante demuestra un nivel aceptable de detalle y textura en su obra. Los elementos son mayormente bien representados, pero podría haber algunos errores o áreas que podrían mejorar. | El estudiante muestra un nivel básico de detalle y textura en su obra. Los elementos son presentados, pero el nivel de detalle y las texturas no son muy logrados. | El estudiante muestra poca o ninguna consideración por los detalles y texturas. Los elementos son representados de manera poco precisa y no se logra apreciar texturas en la superficie dibujada. |
Creatividad | El estudiante demuestra un alto nivel de creatividad en la obra. Utiliza el claroscuro de manera original y presenta una interpretación única del tema. | El estudiante demuestra un nivel destacado de creatividad en la obra. Utiliza el claroscuro de manera imaginativa y presenta una interpretación interesante del tema. | El estudiante demuestra un nivel aceptable de creatividad en la obra. Utiliza el claroscuro de manera adecuada y presenta una interpretación coherente del tema. | El estudiante muestra un nivel básico de creatividad en la obra. Utiliza el claroscuro de manera limitada y deja poco espacio para la interpretación personal. | El estudiante muestra poca o ninguna consideración por la creatividad. La obra carece de originalidad y no presenta una interpretación propia del tema. |
EJEMPLO TAREA
:
REALIZA UNA FOTOGRAFÍA EN CASA DE TU COMPOSICIÓN DE NATURALEZA MUERTA
( MÍNIMO 4 ELEMENTOS DIFERENTES) Recuerda debe representarte.
2. DIBUJA LA COMPOSICIÓN EN UN A3 CON LÁPICES DE GRAFITO.
