ntroducción
El dibujo del natural es el que se realiza directamente frente al modelo, ya sean objetos, personas o paisajes. Requiere capacidad de observación y análisis para trasladar al dibujo las proporciones y expresión de lo representado, o para variarlos según nuestras intenciones.
Actualmente es muy frecuente el uso de fotografías como modelos para el dibujo y la pintura, por la comodidad que supone el trasladar al estudio cualquier instante recogido en la calle. No queremos darte a entender que esto sea algo negativo, ni mucho menos, pero sí reseñarte que la fotografía no es la realidad, sino una interpretación limitada de ella, y por fiable que pueda parecer no ofrece toda la información y sensaciones que el modelo vivo. Por ello debe ser utilizada con reservas, ya que podemos caer en el error de realizar imitaciones de fotografías más o menos acertadas, y las posibilidades expresivas del dibujo son tan ricas y variadas que no debemos reducirlas a un solo camino.
En cualquier caso, el dibujo del natural no debe faltar en el aprendizaje y en el desarrollo de la obra artística. El escritor alemán Goethe decía "Aquello que no he dibujado no lo he visto." El dibujar, más allá del acto de ver, requiere la acción de la inteligencia y es una forma de conocimiento, algo que Miguel Ángel Buonarroti expresó con la frase: " Se dibuja con el cerebro, no con las manos."
La figura humana
En este tema nos estamos centrando en el dibujo de la figura humana.
El dibujo académico
La práctica del dibujo de estatua y con modelo empezó en la época del Renacimiento en Italia, cuando se fundaron las primeras Academias de Arte en Florencia y Roma, en las que ya se estudiaban los modelos clásicos. La más importante, aunque no la más antigua, fue la de San Lucas en Roma, fundada en 1577 (y que sigue funcionando en la actualidad), para pintores, escultores y arquitectos. El espíritu de esta academia era fundamentar el arte mediante una teoría, compartir los conocimientos adquiridos y transmitirlos a los más jóvenes.
La estructura de enseñanza de estas academias se extendió más tarde por Francia, Alemania, España e Inglaterra. En el año 1752 se fundó la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.
El dibujo de estatua tiene notables ventajas: Por un lado es un análisis de unos modelos clásicos de belleza, de sus formas y proporciones. Por otro lado, es un acercamiento al estudio anatómico de la figura humana.
1.1. Buscando la perfección: El canon griego
El canon.
En el pensamiento y en el arte griego está muy presente el interés por lo ideal, por la perfección y la belleza. Su cultura era antropocéntrica y para ellos la representación de la figura humana debía seguir unas reglas de proporción y armonía. Pusieron todo su interés en establecer unas reglas matemáticas en las relaciones entre las diferentes partes del cuerpo humano. A este conjunto de proporciones ideales se le llama canon (kanon).
La unidad de medida de referencia era la altura de la cabeza. Policleto estableció el canon de siete cabezas como modelo de un cuerpo perfectamente proporcionado. Más tarde Lisipo creó otro canon más esbelto que el anterior aumentándolo a siete cabezas y media.
1.2. Ver, pensar y hacer
Materiales para el dibujo de estatua
En el dibujo de estatua suelen utilizarse técnicas secas, fundamentalmente el carbón y la sanguina. Ambos materiales se presentan en barra o en lápiz. Normalmente se utilizan las barras secas (no del tipo conté que son más grasas) para todo el encajado y desarrollo del dibujo. También debes hacerte con un trapo, para borrar o difuminar levemente el dibujo. Como materiales adicionales puedes usar una esponja pequeña o un difumino, también para difuminar y extender las manchas, las fijarán más que el trapo. Y en los detalles finales puedes usar los lápices de carbón o sanguina y también una goma, normal o de modelar, para sacar las luces.
Para tomar medidas se utiliza un pincel largo o una varilla larga, por ejemplo una aguja de coser. Debes medir procurando hacerlo siempre desde el mismo sitio y con el brazo estirado, para que no haya variaciones que en vez de ayudarte te confundan. El uso de estos instrumentos de medida parece muy necesario en los comienzos, pero verás que conforme vayas cogiendo práctica te harán cada vez menos falta.
Un dibujo de claroscuro
La representación de la estatua es un dibujo de claroscuro, es decir, vamos a intentar conseguir la sensación de volumen dibujando las luces, medios tonos y sombras. Recuerda lo que has aprendido sobre claroscuro este curso en esta misma asignatura. Te decíamos en la unidad 2-tema 2, que podíamos utilizar las técnicas de representación de rayado y mancha, y dentro de esta última estaremos haciendo una grisalla si partimos de una base gris y utilizamos oscuros y claros, por ejemplo carbón y tiza.
En esta presentación se muestra una serie de dibujos realizados en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad complutense de Madrid.
FASES DEL DIBUJO DE ESTATUA
Como consejo general, es bueno no tener demasiada prisa en dibujar los detalles. Abstráete de las formas reales (cabeza, tronco, extremidades) y piensa en líneas, puntos y manchas.
Encaje
- Disposición del papel vertical u horizontal según el modelo.
- Cálculo de los márgenes, hasta donde llega la figura en el papel, procurar que se ajuste lo más posible.
- Proporción:
Establece la estructura general del modelo. Marcar puntos y líneas importantes, como la línea que marca el ritmo general de la figura. Recuerda que la cabeza es una unidad de medida. Marca el contraposto: Línea de los hombros y línea de la cadera. Altura del pecho, pubis. Las articulaciones son puntos importantes.
Relaciona unas partes con otras en cuanto a sus proporciones y mediante líneas internas, no solo las partes cercanas, también las lejanas, y las partes con el todo. Importante: Evita dibujar a partir del contorno.
-Poco a poco irás dando forma a la figura pasando de unas formas geométricas a otras más naturales.
Entonación
Como ejercicio inicial puede venirte bien hacer un degradado con el carbón o sanguina en un papel como el que vas a trabajar, para que veas el comportamiento del material. Prueba apretar más o menos la barra en el papel, a utilizarla con la parte plana o con la punta, el trapo para extender o borrar (el trapo cuando está manchado también dibuja), etc.
Piensa en utilizar tres o cuatro tonos como máximo.
-Busca los planos de distintos tonos, descomponiendo mentalmente la figura, observando su grado de oscuridad marca sus límites con líneas finas y sombrea.
-Para la terminación busca los medios tonos entre las distintas manchas tonales que has separado mediante líneas.
-Finalmente, puedes usar la goma para sacar algunas luces, aunque si has hecho un buen análisis tonal y has sabido reservar los blancos no es necesario. Importante: Si usas la goma en el desarrollo del dibujo saturarás el papel y el carbón no agarrará bien. Usa el trapo.
El proceso
Vamos a mostrarte el desarrollo de algunos dibujos realizados por alumnos de la Universidad para que veas en la práctica lo que te acabamos de explicar, creemos que, aunque son bastantes vídeos, son muy instructivos y pueden ayudarte mucho a asimilarlo. Pues verlos uno a uno o solo aquellos que especialmente te interesen. Todos tienen una breve introducción a la técnica (carboncillo o sanguina) que se va a utilizar para pasar a continuación al ejercicio en sí. Como siempre, es bueno puntualizar que el dibujo y la pintura no son ciencias exactas y que las normas no dejan de ser orientaciones que cada artista debe interpretar y utilizar según sus aptitudes y sus criterios. Eso sí, solo se aprende a dibujar ...dibujando.
2. El apunte
Un apunte es un dibujo rápido a partir de un modelo. No se busca un acabado perfecto sino hacer énfasis en los rasgos generales que resumen la esencia de la figura, en el ritmo y en la pose. El apunte puede surgir por la necesidad de registrar sobre la marcha algo que nos llama la atención: una planta, un gesto que vemos en alguien, un paisaje... Puede servir como información para una obra más acabada, pero su gracia y espontaneidad hacen que sea también un fin en sí mismo para muchos artistas.
2.1. Dibujar la figura humana
El dibujo de estatua nos da unas claves para afrontar el dibujo de la figura del natural, el modelo vivo, con ciertas garantías. Sin embargo, la morfología del ser humano, las características particulares de cada individuo y la variedad de poses que puede adoptar exigen al dibujante un análisis y una organización en las fases de su trabajo. Los primeros encuentros con el dibujo de la figura humana suelen ser decepcionantes, pero si insistes verás que realmente eres capaz de conseguir unos buenos resultados. Te recordamos por segunda vez en este tema las palabras de Miguel Ángel: "Se dibuja con el cerebro, no con las manos".
Proporción
Al estudiar el canon griego has leído que la cabeza era la unidad de medida en las estatuas. Siete, siete y media u ocho cabezas son las proporciones más utilizadas. Al principio es recomendable acostumbrarse a utilizar siempre un mismo modelo para que las medidas coincidan y las relaciones entre las distintas partes del cuerpo se repitan en los distintos dibujos. Con la práctica la proporción se percibe de manera más intuitiva. Varios manuales de dibujo recomiendan el modelo de ocho cabezas porque al ser un número par, todas las divisiones se realizan de manera más sencilla.
Estructura
Todo dibujo, ya sea de una figura humana, un paisaje o cualquier otro tema necesita una buena estructura previa que organice todo el conjunto y componga y haga funcionar la imagen. Las primeras líneas del dibujo son muy importantes, ya que contienen las principales proporciones de la figura y la esencia de la pose, y sobre ellas se asienta todo el trabajo posterior.
Pasos
Sitúa el eje principal de la figura y el punto medio y ve incorporando la línea de los hombros, la cintura y el pecho. Sitúa la cabeza. Relaciona las partes homólogas mediante una línea: los codos, las rodillas.
A partir de este punto empieza a dar forma a la figura. No vayas al detalle, haz formas que engloben a las otras: Puede ser un óvalo para la cabeza, formas redondeadas para la barriga y las piernas, o también otras formas que te gusten más para el encaje . Puedes reforzar alguna zona con una leve sombra para ayudarte a ver la figura. Poco a poco irá apareciendo la imagen que estás buscando
. Conforme vayas avanzando procura que esas formas geométricas previas vayan tomando las formas reales de los músculos, ve transformando el muñeco en una persona, busca su anatomía.
Probablemente en el proceso del dibujo descubras alguna proporción que no has captado bien o una forma que sería bueno corregir. Adelante, el dibujo es algo vivo, orgánico, que puede moverse constantemente, pero no abuses de la goma, es mejor empezar con líneas muy suaves que no hace falta ni siquiera borrar, piensa antes de dibujar y cuando tengas seguridad traza la línea final.
Dibuja de dentro a fuera de la imagen, no cierres el contorno con una línea continua, deja que vaya apareciendo en función de la pose de la figura y de las sombras. En algunas partes estará muy marcado y en otras prácticamente desaparecerá.
El acabado del dibujo depende de lo que busquemos. Como estamos realizando apuntes nuestra intención es captar el gesto y que en general la figura se entienda sin profundizar demasiado en los detalles. Eso sí, puedes llamar la atención de alguna zona acabándola un poco más que el resto.
"Cuando dibujes un desnudo, aboceta la figura entera y ajusta los miembros de manera que aunque solo acabes una pequeña porción del dibujo, todas las partes parezcan bien reunidas, así, ese boceto te será útil en el futuro" Leonardo Da Vinci.( 1452-1519)